Visitare la Galleria degli Uffizi a Firenze: 12 Highlights, Tips & Tours

Per gli amanti dell'arte, la Galleria degli Uffizi è l'attrazione numero uno a Firenze. I turisti più occasionali, che vedano la galleria in modo indipendente o in una visita guidata, vorranno almeno vedere i suoi punti salienti, compresa la sua opera più famosa: la Nascita di Venere di Botticelli. A parte le sue dimensioni, forse la cosa più sconvolgente da sapere prima di visitare la Galleria degli Uffizi è che si trattava di una collezione privata di una famiglia - e solo una parte di essa, a tale scopo. L'arte più inestimabile è nascosta nei loro altri palazzi e ville.

Al di là dei collezionisti, i Medici erano grandi mecenati dell'arte e, senza il loro patrocinio, molte di queste opere potrebbero non essere mai state create. Ad un certo punto del tuo tour, fermati per un breve cenno di ringraziamento alla donna che ha assicurato che questa grande collezione - e le altre opere d'arte medicea - rimarrebbero qui a Firenze. Le collezioni furono lasciate in eredità alla città da Anna Maria Ludovica von der Pfalz, ultima erede della casa dei Medici, che morì nel 1743. E stabilì che dovessero rimanere a Firenze.

Gli Uffizi contengono una delle più importanti collezioni di dipinti del mondo. Oltre all'arte fiorentina e italiana, comprende anche un gran numero di opere straniere e sculture classiche. Il suo più grande tesoro è la collezione unica di pittura rinascimentale fiorentina, una parte vitale del contributo di questa città all'arte europea. Queste opere tra il 1300 e il 1500 hanno dato il via a tutta l'arte occidentale che seguì.

In questa guida troverai i punti salienti dei tesori degli Uffizi, seguendo lo stesso ordine delle linee guida del museo. Le opere sono mostrate in ordine cronologico in base al momento in cui sono state dipinte, a partire dalla sala 2 del secondo piano degli Uffizi. Tuttavia, al di là della Sala 13, la galleria ottagonale della Tribuna, le opere non sono più in ordine cronologico ma secondo scuole, regioni e paesi. Coprono opere dal 1500 al 1700 circa.

1. La Madonna di Cimabue in trono e arte toscana del XIII secolo

La sala 2 degli Uffizi riunisce tre grandi Madonne del 1300 circa, che illustrano il debutto dell'arte toscana e uno dei suoi primi punti salienti. Questi tre dipinti, visti insieme, sono la migliore introduzione che si possa chiedere, sia agli Uffizi che all'arte rinascimentale. La Madonna in trono di Cimabue (circa 1275) è ancora interamente nella tradizione bizantina di dipingere la Vergine, che sembra una statua, distaccata dalla realtà e circondata da angeli disposti simmetricamente. Il Cristo infantile di Cimabue è vestito come un generale romano e non vi è alcun segno di un tenero scambio tra madre e figlio. Al contrario, la Madonna in trono di Duccio (1285) mostra più movimento, con una delicata colorazione e linee fluenti, ma ancora eterea e distaccata.

La prima apparizione di una visione umana e realistica è nella Madonna in trono di Giotto (1310 circa). Il trono sembra quasi a portata di mano, le figure hanno peso e solidità, rendendo il contatto visivo l'uno con l'altro e lo spettatore. Giotto è stato il primo artista a rappresentare la Vergine come una donna con una presenza fisica, e anche le sue figure minori sono animate e hanno diverse espressioni facciali. Si distacca dai colori più smorti dell'arte bizantina, ma gli sfondi rimangono l'oro tradizionale. Il risultato più importante e storico di Giotto, tuttavia, fu la sua composizione. Fu il primo pittore a creare uno spazio ben definito che considera l'occhio di chi guarda e la sua composizione piramidale creò un modello che sarebbe durato per secoli. Lo stile più personale e realistico di Giotto doveva portare a un vero Rinascimento nell'arte. Da quel momento in poi, la pittura sarebbe stata un'arte a sé stante, che avrebbe infine oscurato la scultura.

2. Annunciazione di Simone Martini e Lippo Memmi (arte toscana del XIV secolo)

Le gallerie successive mostrano come altri pittori stavano cambiando dalle vecchie norme. Sebbene l' Annunciazione (circa 1333) dell'artista senese Simone Martini e del cognato Lippo Memmi, sia ancora molto in stile gotico, mostra già la transizione verso un nuovo realismo. L'ambientazione, con le sue torrette e timpani, suona con l'architettura gotica, ma l'abito svolazzante dell'angelo e la Vergine mostrano grande raffinatezza ed eleganza. I movimenti hanno tenerezza e sensibilità, ma le delicate immagini femminili sono ancora quasi eteree.

Tra gli altri esempi senesi del XIV secolo troviamo la Madonna in gloria (1340) di Pietro Lorenzetti, un seguace di Giotto, e scene della vita di San Nicola di Ambrogio Lorenzetti, notevoli per i tentativi di usare la prospettiva. I più illustri seguaci fiorentini di Giotto mostrati qui sono Bernardo Daddi (morto nel 1348) e Taddeo Gaddi (morto nel 1366), le cui pale d'altare usano colori delicati e linee morbide e aggraziate per mostrare le persone e le ambientazioni in modo più realistico.

3. Adorazione dei Magi da Gentile da Fabriano

Il gotico continuò a dominare l'arte all'inizio del XV secolo, ma sebbene l'Adorazione dei Magi di Gentile da Fabriano (1423) trasmetta ancora l'ideale gotico della bellezza, la sua sontuosa attenzione ai dettagli segna il passaggio iniziale dal gotico al rinascimento. È anche possibile vedere sullo sfondo, sotto gli archi della cornice ornata dell'altare, l'inizio di un tentativo di mostrare la prospettiva mentre la processione diventa più piccola e quasi scompare all'orizzonte. Questo è considerato il suo capolavoro ed epitome della pittura gotica internazionale.

Il contemporaneo di Fabriano, Masaccio, ha ulteriormente rivoluzionato l'arte della prospettiva nei suoi sforzi per creare tre dimensioni su una superficie bidimensionale. La Madonna col Bambino di Masaccio con Sant'Anna (1420 circa), dipinta con Masolino, è una delle sue prime opere. Si allinea con Brunelleschi e Donatello come uno dei fondatori del Rinascimento, una nuova esperienza artistica nella realtà, basata sull'osservazione e la registrazione della natura in modo accurato. Potete vederlo nella modellazione in rilievo e nella realistica bellezza naturale dei volti e delle figure nella pala d'altare di Masaccio.

Cercate anche l' incoronazione della Vergine di Fra Angelico, il monaco domenicano che era un contemporaneo di Masaccio, e il cui mistico concetto religioso di arte lo porta nella direzione opposta. Ma stava innovando in altri modi. Mentre utilizza ancora sfondi dorati e figure drappeggiate eteree, i ricchi colori di Fra Angelico e la disposizione circolare delle figure creano una prospettiva pittorica unificante.

4. La Vergine col Bambino di Domenico Veneziano

Abbandonando la precedente convenzione di uno sfondo d'oro per una pala d'altare, in questa opera del 1445, Veneziano porta la prospettiva a nuovi livelli posizionando armoniosamente i santi in un semicerchio, e valorizza l'effetto della profondità con i motivi geometrici del marmo intarsiato. La sua principale innovazione, tuttavia, è arrivata come un maestro di luci e ombre realistiche. Le sue sottili sfumature e delicate sfumature di colore erano molto più avanti delle solide aree di colore forte usate dai suoi contemporanei fiorentini. L'uso della luce e dei colori di Veneziano influenzò l'opera di Piero della Francesco, che spesso collaborò con lui.

5. Ritratti del duca e della duchessa di Urbino di Piero della Francesca

La pittura di ritratto era un altro punto di riferimento per l'arte del primo Rinascimento - e quella che manteneva i clienti felici. Un buon esempio sono i ritratti del duca e della duchessa di Urbino di Piero della Francesca del 1465 circa. Ma Piero non lusingava la sua sitter, mostrando il naso aquilino del Duca, le rughe, le labbra sottili e la corporatura robusta. Si noti lo sfondo, un raro esempio di paesaggio del primo Rinascimento.

Più simile a un ritratto che all'arte religiosa è la Vergine col Bambino (circa 1460) di Filippo Lippi, una giovane Maria elegantemente vestita con due angeli sorridenti, una scena che mostra affetto e contatto visivo tra madre e figlio che riflette le crescenti interpretazioni secolarizzate di temi religiosi. La sala 9 presenta enormi pannelli delle sette virtù, di Piero del Pollaiolo. In realtà, Piero ne dipinse solo sei, il settimo è una delle prime opere di Botticelli.

6. La nascita di Venere di Botticelli

Che ti porta nell'età dell'oro di Firenze e in una delle sue stelle più brillanti, Botticelli. Insieme al proprio ingrandimento, i patrizi fiorentini erano intensamente interessati alla letteratura e alla filosofia classica, e le opere più famose di Botticelli, Nascita di Venere e Primavera, entrambe commissionate da un Medici, riflettono questo. Nella nascita di Venere (1482/1483) Botticelli combina il pensiero classico e cristiano in termini di idee rinascimentali, come una rinascita dello spirito dalla mitologia classica e dalla teologia cristiana. Dipinge un nudo femminile modellato su una statua classica della dea dell'amore Venere, e implica un battesimo cristiano (come Cristo è battezzato nel Giordano). Confronta questo pensiero fiorentino con il pittore fiammingo Rogier van der Weyden's Entombment (1450 circa) e la pala d'altare Portinari di Hugo van der Goes, entrambi nella stessa stanza, per apprezzare quanto queste idee fiorentine differissero da quelle del Nord Europa. Lì, un nudo sarebbe impensabile, e le figure sono nascoste nei drappeggi.

Botticelli dipinse la pala d'altare Adorazione dei Magi intorno al 1475 quando aveva circa 30 anni, e la commissione comprendeva ritrarre membri della famiglia Medici e dei loro associati tra gli astanti. Sistemò il gruppo in una piramide con la sacra famiglia al suo apice, sotto di loro i tre re - i tre Medici più alti - e sotto di loro in ordine di grado più Medici e i loro amici. Il tema attuale sembra recedere in secondo piano, servendo più come pretesto per una magnifica rappresentazione dei Medici e dei loro sostenitori.

7. L'Annunciazione di Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci visse in un periodo di scoperte scientifiche che mettevano in dubbio i resoconti biblici come l'unico modello per spiegare l'universo. Uno dei tratti principali del suo lavoro, che fosse pittura o scultura, stava portando la natura nella sua opera in un modo che rendeva credibili i temi religiosi mistici in un mondo che stava rapidamente diventando consapevole della scienza. In questo primo lavoro, mostra le ali dell'angelo come ali di uccello realistiche coperte di piume.

Leonardo cattura anche sensibilmente l'atmosfera del suo tempo nell'Adorazione dei Magi (1481). Al centro di questo quadro incompiuto, la Madonna e il bambino appaiono come un'influenza stabilizzante, circondati da una massa di persone che salutano la nascita con meraviglia e stupore o con dubbi e paura. Invece di un racconto popolare, la Natività acquisisce una nuova dimensione di redenzione del mondo.

La Sala 16 è l'ultima della prima parte del tour degli Uffizi, dedicato all'arte fiorentina e toscana dal 1300 al 1500, per lo più in ordine cronologico. L'arte del successivo Rinascimento italiano segue nella Sala 25 in poi, organizzata secondo le scuole di pittura.

8. La tribuna

Al centro della splendida Tribuna ottagonale , di per sé un'opera d'arte, si trova la Venere dei Medici, la più famosa scultura in marmo classica di Firenze e ritenuta una versione tardo greca dell'Afrodite di Cnido di Prassitele. Alle pareti sono ritratti manieristi della famiglia Medici della metà del 1500, i più notevoli di Pontormo, Bronzino e Vasari. Pietro Perugino, allievo del Verrocchio e maestro di Raffaello, è rappresentato da Madonna con Santi e vari ritratti che mostrano il suo realismo tridimensionale e il colore sommesso che ha spianato la strada all'arte classica del Rinascimento. Allo stesso modo, la turbolenza e il colore dello stile di Luca Signorelli, come vedrai, la sua Sacra Famiglia ( 1495 circa) e Madonna col Bambino, d'altra parte, mostrano molta più turbolenza e movimento, un'influenza sul giovane Michelangelo.

9. L'adorazione dei Magi di Albrecht Dürer

Nello stesso tempo in cui i pittori fiorentini e altri pittori italiani stavano cambiando il mondo dell'arte, gli artisti tedeschi si stavano trasferendo nel loro Rinascimento, come vedrete nei capolavori di Albrecht Dürer. In Adoration of the Magi (1504), Dürer mostra la sua comprensione sia della prospettiva che dei giochi di luce nel drappeggio dei vestiti. Usa colori brillanti in primo piano per favorire l'illusione della prospettiva. Come altri artisti tedeschi e del nord Europa, include una ricchezza di dettagli e si impegna per un meticoloso realismo. L'artista di Norimberga è anche rappresentato dalla sua Vergine col Bambino (1526) e da una delle sue prime opere ancora esistenti, Ritratto del Padre (1490).

Opere dell'artista tedesco Lucas Cranach includono il suo ritratto di Martin Lutero e sua moglie Katharina, un autoritratto, un impressionante Melantone e un Adamo ed Eva piuttosto erotico. La pittura veneziana, caratterizzata da colori tenui e luce equilibrata, è rappresentata dall'Allegoria Religiosa di Giovanni Bellini (1485 circa) e dal Ritratto di Cavaliere Maltese di Giorgione. Anche l'arte del Rinascimento nel nord Italia è rappresentata da opere religiose di Antonio Allegri, meglio noto come Correggio, le cui composizioni diagonali, effetti di luce e insolite profondità prospettiche hanno avuto un'influenza duratura sulla pittura barocca successiva.

10. La Sacra Famiglia di Michelangelo e il Rinascimento

La Sacra Famiglia di Michelangelo (1504/1505), conosciuta come il Tondo di Doni, è priva di ogni sentimento religioso, la famiglia appare come se fosse scolpita da un blocco e mostra il forte background di Michelangelo nella scultura. In questo dipinto, vedrai tracce del suo capolavoro sul soffitto della Cappella Sistina nella profusione di figure nude e colori brillanti e iridescenti. L'anno della morte di Raffaello (1520) segnò l'inizio del Manierismo, la fase tardiva del Rinascimento che durò fino al 1600. La sua partenza dagli stili classici includeva forme e colori innaturali, mostrati dalla composizione quasi bidimensionale del Mosè Rosso Fiorentino Defending le Figlie di Jethro (1523), le cui figure sembrano irreali, quasi come bambole articolate.

Tre importanti opere di Raffaello di questo stesso periodo comprendono un autoritratto (1506 circa), la sua affascinante Vergine Maria con il cardellino e Papa Leone X con i cardinali Giulio de 'Medici e Luigi de'Rossi. Raffaello descrive il Papa come un individuo e intellettuale, non semplicemente un leader potente. La Madonna con le Arpie di Andrea del Sarto, una pala d'altare monumentale tipica dell'arte fiorentina del Rinascimento, combina la tecnica morbida di Raffaello con la monumentalità di Michelangelo e le qualità atmosferiche di Leonardo da Vinci. Il manierismo fu la transizione cinquecentesca tra il Rinascimento e il Barocco, turbolenta e piena di movimento, che distorceva la realtà e interpretava misticamente la pietà. Nella Cena di Jacopo da Pontormo ad Emmaus (1525 circa), vedrai l'influenza dei suoi maestri Leonardo da Vinci e Andrea del Sarto fusi con l'ispirazione dell'ultima opera di Raffaello e l'arte monumentale di Michelangelo.

Opere del grande pittore veneziano Tiziano includono Venere di Urbino (1538), Ludovico Beccadelli (1552), Venere e Cupido (1560), Eleonora Gonzaga della Rovere, Francesco Maria, duca di Urbino, e La Flora, uno dei suoi più bei ritratti di donne Venere di Urbino è particolarmente interessante per il modo in cui Titian usa sfumature di rosso per tirare le diverse parti dell'immagine insieme in diagonale. Girolamo Francesco Maria Mazzola, detto il Parmigianino, fu influenzato a sua volta dal Correggio, dal Rinascimento romano e dal Manierismo . Madonna col collo lungo, dipinto tra il 1534 e il 1540, è un buon esempio di distorsione manierista, con le sue figure allungate e la strana luce.

11. Sacra Famiglia di Veronese con Santa Barbara

Se i tuoi occhi non si sono ancora vetrificati, guarda nelle gallerie rimanenti, che contengono una varietà di capolavori, in particolare diversi artisti veneziani. La Sacra Famiglia di Paolo Veronese con Santa Barbara riflette l'opulenza di Venezia nei suoi toni dorati e il ricco abbigliamento del santo. Le figure realistiche e i volti espressivi sono tipici dei pittori veneziani. In questa galleria si trovano anche l'Annunciazione e il martirio di Santa Giustina di Veronese e il Ritratto di uomo di Tintoretto. Nella stanza accanto ce ne sono molti altri di Tintoretto. Guarda anche per la testa di una gioventù di Lorenzo Lotto (1505).

Nelle gallerie successive sono opere di Van Dyck e alcune delle opere più raffinate di Rubens: Enrico IV ad Ivry e Henry IV Entering Paris, Isabella Brandt e Entrata di Ferdinando d'Austria ad Anversa. Nella Sala Niobe, cerca la scultura classica più raffinata a Firenze dopo la Venere dei Medici, il vaso mediceo del II secolo aC.

12. Ritratti di Rembrandt

Nel corso della sua carriera, che coincide con l'età dell'oro della pittura olandese, Rembrandt dipinse una serie di autoritratti, due dei quali sono mostrati agli Uffizi. Mentre registra i cambiamenti in se stesso, dai giovani fiduciosi al pittore che invecchia, registra anche il suo viaggio come artista. Indicato con questi è il suo Ritratto di un vecchio, dipinto all'incirca nello stesso periodo del suo ultimo autoritratto.

Guardate anche qui, per le opere di Caravaggio, tra cui il suo Bacco giovanile, Medusa e Il sacrificio di Isacco. Il sorprendente realismo delle due ultime opere è intensificato dal brillante senso del dramma di Caravaggio nell'uso della luce e dell'ombra.

Suggerimenti e tour: come sfruttare al meglio la tua visita alla Galleria degli Uffizi

  • Tour della Galleria degli Uffizi: Visitatori su una Linea Salta: la Galleria degli Uffizi di Firenze può ignorare le lunghe code per vedere tutti i punti salienti e conoscere gli artisti e le loro opere con una guida esperta d'arte. Il tour a piedi di 1, 5 ore è disponibile tutti i pomeriggi durante tutto l'anno, la mattina e la sera in estate. Il biglietto ti consente di rimanere dopo il tour per esplorare a tuo piacimento. Salta la coda: i biglietti per la Galleria degli Uffizi di Firenze ti consentono di ignorare le linee ed esplorare la galleria alla tua velocità senza una guida. Un'altra opzione è quella di combinare gli Uffizi con l'altra grande galleria d'arte su un Skip the Line: Florence Accademia e Uffizi Tour Tour, trascorrendo 1, 5 ore in ogni museo con una guida esperta d'arte. Un tour a piedi è la mattina, l'altro nel pomeriggio, ogni volta bypassando le linee di attesa.
  • Visitando la Galleria degli Uffizi da soli: Sebbene sia possibile aspettarsi che le code per l'ammissione siano molto lunghe tra primavera e autunno, le più lunghe sono nei fine settimana, il martedì e la mattina. Se non hai prenotato i biglietti in anticipo, a volte puoi comprarli nella biglietteria del museo presso la Chiesa di Orsanmichele (chiuso la domenica). Forse non ne hanno a disposizione, ma vale la pena provarlo. Sono disponibili tour audio, ma la piccola guida venduta all'ingresso è più dettagliata.

Indirizzo

  • Piazzale degli Uffizi 6 (fuori da Piazza della Signoria), Firenze